艺术是人类对美感所带来的欢乐的最高表达形式。艺术家进行创作的目的，并不是单纯地将自然界的某些画面呈现出来，更是要让他创作的内容给我们带来视觉上的感受，获取生活的美感。

　　英格兰裔美国作家、艺术评论家查尔斯·亨利·卡芬，在《看画：如何欣赏世界名画》一书中，以各画派产生时间为主线，以作品技法和背景故事为副线，教我们用一种抽象的方法欣赏画作，品读名画的魅力，懂得单纯从生活中寻找美感。

　　1、近距离观察：我们最重视的画作主题，或许不值一提

　　查尔斯·亨利·卡芬在书中写道：一幅画作描述的主题与表现这个主题的手法相比，是不值一提的。

　　当然，这不是说画作主题不重要，而是希望大家不要过分关注、过分解读主题本身所宣扬的思想，更注重画作中的抽象美感。

　　一般来说，根据画作的主题，可以将画作分为不同的类型，如宗教画作、人物肖像画、风景画、历史主题画作等。

　　主题画中的每一副画，又是按照不同方式创作的。而这些创作的方式，最终取决于画家的创作动机与创作观念。因此，感受画作主题最简单的方法，首先要了解画家的创作动机与观点。

　　柯洛的这副《孟特芳丹的回忆》，就是一副典型的风景画，也是一幅真实的抒情画。

　　柯洛是法国著名的巴比松派画家，被誉为19世纪最出色的抒情风景画家，19世纪留下画作量最丰富的画家之一。《孟特芳丹的回忆》便是柯洛晚期最成熟、也最具代表性的风景杰作之一。

　　孟特芳丹位于巴黎以北桑利斯附近，1850年前后，柯洛经常涉足此地，欣赏田园美景，这幅画就是对孟特芳丹美景的回忆。

　　整个画面展现的是湖边森林的一个角落，右侧的巨树与对面的小树倾斜方向相同，彼此交相呼应，增强了整体画面的平衡与节奏感。

　　两树的中间展现出一方平静的湖面，岸上身穿红裙子的女子正仰着头采摘树干上的草蕈，两个孩子也在一旁附和着，情景交融之中弥漫着田园诗般的梦幻情致。

　　从这幅画中，我们不难看出柯洛对自然的热爱，就像他曾经说过的那样“艺术就是爱”，从生活中提炼出他所发现的美。这是他诗意般风景画的秘密所在，也是他始终坚持的创作动机与创作观点。

　　欣赏画作最好的方式，就是近距离地观察一幅画作，认真观察画作里呈现出的画笔，尝试进入创作者的心灵，找到他的创作动机，然后站在他的观点去看待画作的主题。

　　2、抽象性理解：探究艺术创作两原则，平衡性与韵律性

　　查尔斯·亨利·卡芬在书中反复强调了一个观点：一幅画作的美感，并不取决于画作的主题，而是取决于以什么样的方式将这个主题呈现出来。

　　常见的艺术创作包含两个原则：平衡性与韵律性，这是很多艺术家采用的创作方法，同时也是人性的本能驱使。

　　走在独木桥上的时候，为什么要张开双臂？很明显，这是为了追求平衡性。

　　听到音乐，就会不自觉地跟着音乐扭动起来？这是在追求韵律性。

　　我们都有一种追求平衡与愉悦的本能，当平衡伴随着韵律性重复行为之后，就会增强我们的愉悦感。这是身体的本能反应，也是艺术创作的基本原则。

　　拉斐尔的《圣礼的争辩》，完美地实现了“天上”与“人间”的平衡，几何构图的平衡。

　　拉斐尔是意大利著名画家、建筑师，与达·芬奇、米开朗琪罗一起被称为“文艺复兴艺术三”。《圣礼的争辩》是拉斐尔在文艺复兴时期创作的一幅壁画。

　　《圣礼的争辩》在画面上被分为两个层次：天上和人间。在天上，上帝占据顶端位置，两侧是诸位天使；耶稣位于上帝下方，两侧分别是圣母和施洗约翰，后面坐着的则是使徒与圣人。在人间，圣徒们正在争论弥撒圣礼。

　　在几何构图中，半月形空间呈现出神圣的天主教堂，包括尘世的教堂与天国里的教堂。中心位的圆形、云层上的曲线，以及“天上人间”的人物，无不呈现出一种对称与平衡的美感。

　　拉斐尔擅长使用这些重复的水平线、垂直线、对角线与曲线，构筑整幅画面的平衡感与几何感。这也是艺术创作原则的重要体现。

　　当你对这些画作效果深入研究之后，就可以继续往前走一步，认真审视画家为实现这些效果所使用的方法。

　　3、欣赏世界名画，把握艺术创作三元素，平衡、重复与对比

　　当我们近距离接触世界名画，抽象性理解了其中的创作原则，就可以仔细考量画家所使用的三种基础创作元素：平衡、重复与对比。

　　其一，平衡。形式与内容的平衡，画面与主题的平衡，主要构图方式为：对称式构图、中心式构图等。

　　视觉元素上下相对、左右相对的构图形式，构筑画面的平衡感与结构感，强化整体布局，实现视觉美感。平衡元素的代表作品包括：《圣礼的争辩》、《耶稣受洗》等。

　　其二、重复。重复不是杂乱，其目的在于统一，增强整体的视觉效果。视觉元素规整和变化的重复组合，有利于增加构图效果的生动性、丰富性，增强我们的愉悦感。

　　其三，对比。艺术家们运用对比的手法，呈现事物的多样性，并将事物的形态与品格呈现出来，以此来增强生活乐趣，让我们的品格变得更加强大与高尚，

　　艺术家通过光线明亮与阴暗区域的对比，将内容分出主次层级，使得内容呈现更加真实，同时让我们对物体的形状与大小产生一定的印象。

　　马萨乔的这副《纳税银》，就巧妙地利用了阴暗法，即光线明亮与阴暗区域的对比，来表现人物形象。

　　马萨乔是意大利文艺复兴时期第一位伟大的画家，也是首位使用透视法的画家，他的壁画是人文主义最早的里程碑。

　　画面中的门徒以耶稣为中心，环绕成一个半圆，马萨乔运用“透视法”使得耶稣的头部处在一个透视的消失点上，与位于画面右侧的建筑延伸的直线重合。这种处理方法，使耶稣作为中心位在整个画面中得到突出。

　　画面中的征税人（红衣短装男子）出现了两次，这是马萨乔运用“异时同图法”的效果，即按照时间顺序将同一人物展现在同一幅画面。《纳税银》的明暗处理与空间感浑然一体，给人一种庄严肃穆的秩序感。

　　德国艺术家约瑟夫·博伊斯说：人人都是艺术家。

　　假如人人都是艺术家，那么艺术与生活的界限又在哪里？

　　从某种程度上来说，人们在生活中获取的感受被传达到艺术上，艺术品因人的参与有了意义，并反哺到生活中，使之产生美感。这也就是我们通常所说的“艺术源于生活且高于生活”。

　　在这个物欲横流的世界里，如何欣赏艺术作品，艺术如何融入生活，似乎仍是一个大难题，而这本《看画：如何欣赏世界名画》或许会给你给启发：

　　懂得从生活中寻找美感，近距离观察画作主题；抽象性理解艺术创作原则，探究平衡性与韵律性；把握艺术创作三元素：平衡、重复与对比；从而真正品读世界名画的文化魅力。

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